Innholdsfortegnelse for issue 18 i Lampoon Magazine

C’è una questione di tempo che non può essere superata. Le pietre vanno spaccate, ci vuole tempo. Un castello va costruito, ci vogliono otto anni. Il tempo – per quanto possa essere un discorso sul craft, sul fare e sul rifare, sulla costruzione e sui dettagli, il tempo è un elemento così come lo è il legno, la calce, il ferro, la pietra. Il tempo permette la disciplina: la danza delle ore cerca una narrazione di rigore. Argentaia è il titolo di una coreografia cerebrale, che comanda il lavoro delle mani, la forza delle gambe, l’abilità delle parole. Italia, terra di resilienza e di acqua – l’acqua che cade pulita sulle Alpi, scende tra gli abeti e i marmi bianchi, si raccoglie nei fiumi, attraversa le città, i rubinetti, i…

Ha riunito più di 130 opere fotografiche, di collage e sculture la personale di Sarah Lucas dal titolo Au Naturel, conclusasi il 1 settembre all’Hammer Museum di Los Angeles. L'artista, a partire dalla fine degli anni Ottanta, ha trasformato e mescolato oggetti di uso quotidiano (mobili, sigarette, verdure, indumenti) per esplorare l’ambiguità dell’essere umano e indagare sul tema della sessualità. Dall'alto, Sarah Lucas, Sex Baby Bed Base, 2000; Edith, 2015; Au Naturel, 1994; Chicken Knickers, 2014…

La Galleria di Palazzo Cini, a Venezia, ospita fino al 18 novembre The Battle between Carnival and Feast, la prima personale presentata in Italia del pittore romeno Adrian Ghenie. In mostra un ciclo di 9 tele ispirate alla storia veneziana e a temi di attualità. Alcune sono dipinte appositamente per la mostra con l’obiettivo di entrare in dialogo con gli spazi e la storia della casa-museo. Nella pittura di Ghenie affiorano ricordi personali e traumi collettivi – passati e presenti. Il tema dell’acqua unisce tutte le opere, dipinte sui toni del verde-acqua, del blu e del grigi. Dall’alto a sinistra in senso orario: Adrian Ghenie The Wall, 2019; Figure with Dog, 2019; The Drowning, 2019…

In occasione del quindicesimo anniversario della sua fondazione, Parasol unit foundation for contemporary art presenta al Conservatorio di Musica Benedetto Marcello, The Spark is You: Parasol unit in Venice, una mostra che raccoglie opere di nove artisti iraniani contemporanei con l’obiettivo di favorire il rispetto e il dialogo tra diverse nazioni e culture. La mostra coincide con il 200° anniversario di West-Eastest Divan, un libro di poesie liriche scritto da Goethe in omaggio ad Hafez, antico poeta persiano. Qui accanto, Siah Armajani, Hall Mirror with Table, 1983-1984; sotto, Nazgol Ansarinia, Article 44, Pillars, 2016…

La 17esima edizione di Frieze London ospita oltre 160 gallerie mondiali e 1000 opere, dal 3 al 6 ottobre a Regent’s Park. Il programma di quest'anno è stato realizzato da Diana Campbell Betancourt e Lydia Yee. La sezione Woven – 'intessuto' –, curata da Cosmin Costinas (direttore del Museo Para Site di Hong Kong), prevede otto solo-show di artisti che realizzano le proprie opere con tessuti e arazzi. Dall'alto, in senso orario, Bill Woodrow, Celloswarm; LR Vandy, Superhero Cog Woman #01; Huma Bhabha, Receiver; Vik Muniz, Mnemonic Vehicle No. 2; Robert Indiana, ONE through ZERO…

L’home d’avui recupera verbs de la infància: juga, plora, es disfressa, abraça. En el seu redescobriment del joc, s’adona que les regles són variables i és en la consciència de la variabilitat d’aquestes regles que hi ha el plaer de jugar. L’home d’avui arriba a una conclusió de pes: la saviesa és flexibilitat, no pas rigidesa. Si l’espècie humana ha arribat fins aquí sense que tot esclatés en mil bocins ha estat perquè la flexibilitat ha superat la rigidesa. L’home d’avui descobreix que és tan important escoltar com parlar. El veritable Homo Sapiens és l’Homo Ludens. Màrius Serra (Barcelona 1963) manages a trilingual site dedicated to word games. Ramon Llull Award in 2006…

A sedici anni Paul Smith sognava di fare il ciclista di professione. Riceve in regalo dal padre una bici e una macchina fotografica. In entrambi i casi la missione una: esperire - toccare con mano, lavorare sul campo, dietro l’obiettivo o in sella a pedali. Un incidente mentre praticava sport cambia il suo destino - niente pi ruote ma abiti. Paul Smith ha aperto il suo negozio V tement Pour Homme a Nottingham nel 1970, vendeva abbigliamento di brand affermati accanto a pezzi che egli stesso disegnava - in 3 metri quadrati, al 6 di Byard Lane. Le foto le scatta ancora, una al giorno, firmando Taken by Paul. Rosa, blu chartreuse e blu fiordaliso, mandarino, viola e caff . Un mondo di colore prende vita sulle stampe degli abiti…

L’ereditiera Nan Kempner si presenta in tuxedo a una cena in un ristorante di Manhattan. Quando le si fa notare che le donne non potevano sedersi al tavolo in pantaloni se li toglie, rimanendo solo con la giacca. Per tutta la durata della sua campagna presidenziale, Hillary Clinton indossa sempre completi giacca e pantaloni. Quando Saint Laurent muore nel 2008, il Financial Times cita la Clinton come esempio del cambiamento apportato da Saint Laurent nella vita delle donne lavoratrici. La libertà delle donne passa attraverso la riappropriazione del corpo. Muoversi secondo il proprio ritmo, avere consapevolezza della propria fisicità. La libertà è attitudine, essere liberi oggi non significa poter fare o dire quello che si vuole – significa poter esprimere una personalità. In una civiltà mediatica e occidentale, la libertà…

Tornando al ‘Ballo del Secolo’ a Venezia, il 3 settembre 1951, Jacqueline de Ribes confida a Reinaldo Herrera come Carlos de Beistegui fosse un mentitore professionista. «Beistegui – afferma la viscontessa de Ribes – era un amorale e uno snob. Mi ha insegnato la complessità della vita sociale e, soprattutto a mentire. Avevo visto di tutto durante la guerra, ma fino a quando non ho incontrato Charlie, io ero un’innocente». Il primato di don Carlos nel monde si basava su criteri di censo, sulla simulazione e sulla legge proustiana dell’esclusione. Quella che gli apparteneva come a nessuno era una forma sociale che presto sarebbe stata polverizzata dalle proteste studentesche del Sessantotto, le stesse che fecero chiudere l’atelier parigino a un indignato Cristóbal Balenciaga. Nulla potrebbe sembrare più lontano dalla nostra…

Cade quest’anno il decennale della morte di Pina Bausch. Wim Wenders le ha dedicato un film documentario in 3D: Pina, nato come collaborazione con la coreografa, usciva nel 2011, quando era già scomparsa. Vedendo per la prima volta un suo spettacolo, il regista si era chiesto: «Com’è possibile che esista qualcosa di così bello e che io non ne sapessi nulla?». Pina Bausch moriva il 30 giugno del 2009 a Wuppertal, cinque giorni dopo una diagnosi di cancro. Per comprenderla è necessario risalire alla sua formazione. Kurt Jooss, primo maestro di Pina Bausch, era il fondatore della Folkwang Hochschule, Università delle arti ad Essen, Renania, fautore di un tipo di danza in cui il tecnicismo del balletto classico si mescolava ai codici del moderno. Nelle stanze di quella scuola troviamo…

Non ci può essere arte dove c’è pudore. Ogni angolo sporco della propria anima, della propria vita quotidiana, scavato, esposto e massacrato. Anatomia criminale su un cadavere vivo. Niente può essere trattenuto nascosto, personale – ogni ombra deve essere a disposizione del racconto. Mettersi a nudo, questo scoperchiarsi non è un processo a termine: si può scavare più dentro, spostare altre viscere, aprire altre vene, spalancare un altro cuore che non pensavi si nascondesse nel cervello. Chiudeva lo scorso aprile al White Cube di Londra la mostra A Fortnight of Tears, dove l’ansia si trasformava in paura ne La stanza dell’insonnia – cinquanta autoscatti durante un periodo di insonnia diagnosticata nel 2018. Chi entrava doveva avvertire la stessa sensazione che provò Tracey Emin: stress e sofferenza scattati con un iPhone…

Per una parte del pubblico italiano il nome di Lenny Kravitz è cristallizzato nella carica erotica del video di Fly Away: nel 1999 il brano era in heavy rotation su radio e canali musicali. Per la critica è il nome di un artista di talento a volte afflitto da edonismo autocelebrativo. Lenny Kravitz, polistrumentista, autore, interprete, produttore e showman ha riadattato la sua immagine nell’arco della sua carriera. A cinquantaquattro anni, porta Rise Vibration, undicesimo album, in un tour nel mondo che arriva in Italia in due date, è arrivato l’11 maggio al Forum di Assago (Milano) e il 12 all’Unipol Arena (Bologna). L’esordio del 1989 è Let the love rule, commistione tra rock‘n roll e psichedelia. Kravitz è stato salutato come il possibile erede di Prince, presentando qualche riferimento…

Una conversazione con Luke Edward Hall la manifattura Richard Ginori e un tipo alla Cecil Beaton Luke, occhialini tondi da Harry Potter, la chioma incolta e il riserbo british contrastano un poco l’immediatezza emotiva e insieme patinata della sua narrazione, e il segno del Leone sotto il quale nato. Hall indossa un abito calato in una gradazione cromatica che si rispecchia nella tavolozza decisa per la collezione 'Il viaggio di Nettuno', una collaborazione con la Manifattura Richard Ginori e presentata nell’aprile scorso al Salone Internazionale del Mobile di Milano. “Credo nel potere che emana il circondarsi di cose belle” - il suo mantra, dichiarazione e programma. “Era facile cadere nella tentazione del quote, afferma Hall - misurandosi in una tradizione come quella di Ginori, con il ventaglio di possibilit che…

Illustrazioni di Giampiero Celani Piendlbach. Nato a Roma, ha vissuto tra Vienna e Trieste. Celani Piendlbach trova ispirazione nei caff austriaci, nell'architettura Jugendstil, nel golfo di Trieste e nelle foreste di conifere L’esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne doveva aver luogo nel 1913: fu rinviata per lo scoppio della Prima guerra mondiale. Inaugur a Parigi dodici anni pi tardi, nel 1925, a Les Invalides. Diversamente dalle precedenti edizioni - Torino, Bruxelles, Monza - che videro dominare il gusto Art Nouveau, l’esposizione del ’25 fu un manifesto di sperimentazione futuristica. Era il primo dopoguerra. Ammesse solo opere di ispirazione, escluse copie o pastiches del passato. Assente la Germania, ancora considerata nemica dalla Francia, presente l’Unione Sovietica (fu questo il primo riconoscimento internazionale del governo bolscevico). Alle forme gi superate…

Daniel Steegmann Mangrané, nato a Barcellona nel 1977, oggi vive e lavora a Rio de Janeiro. La sua produzione sonda il rapporto tra cultura e natura, una riflessione sulle dinamiche tra gli elementi che ci circondano. L’artista, indagando i sistemi ecologici, introduce il mondo naturale all’interno delle sue opere. Ricorrenti gli elementi della foresta pluviale in Brasile – rami, foglie e insetti – accanto a forme geometriche e motivi astratti. Le sue opere sono in mostra all’Hangar Bicocca: A Leaf-Shaped Animal Draws The Hand, la prima esposizione in Italia (a cura di Lucia Aspesi e Fiammetta Griccioli) che presenta i lavori realizzati a partire dal 1998 fino a oggi – film, ambientazioni in realtà virtuale, ologrammi 2D, sculture e installazioni. Dall'alto, Daniel Steegmann Mangrané, 2014, veduta dell’installazione all'ABC Art Berlin,…

La vita di Yun Hyong-Keun (Cheongju 1928 – Seoul 2007) è legata alla storia del suo paese: fu imprigionato più volte per le sue idee politiche e nel 1950 riuscì a fuggire da un’esecuzione di massa. Le sue opere sono esposte fino al 24 novembre al Palazzo Fortuny di Venezia nella mostra Yun Hyong-Keun Retrospettiva – la prima europea dedicata all’artista coreano, organizzata in collaborazione con il Museo Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea (MMCA) di Seoul e curata da Kim Inhye. Dopo una prima fase di sperimentazione, lo stile di Yun Hyong-keun si definisce nella prima metà degli anni Settanta riflettendo la sofferenza vissuta. Il dramma si accentua all’indomani del massacro di Gwanju del 1980. Dall’alto, in senso orario, Yun Hyong-Keun, Burnt Umber e Ultramarine, 1994; Burnt Umber, 1987;…

Sono diventato me stesso quando ho permesso loro di ferirmi, di tornare a farlo, quando ho scelto di non girarmi dall’altra parte se mia madre piangeva, di non pensare che fosse debole. Quando ho scelto di non rimanere solo. A nove anni temevo mio padre perché odiava la mia sensibilità. A quindici gli invidiavo il carisma, a venti mi chiedevo chi fossi, quale sarebbe stato il mio destino. Se oggi ti incontrassi, ti direi che puoi amarmi senza avere paura di me. Sì, sono quel genere di uomo. Questa è la mia forza. Emanuele Altissimo, (Torino 1988) publishing in Italy with Bompiani…

La moda di Milano tornerà a essere un mix di mondanità e cultura, di eccentricità e sapienza – il nome Aspesi tanto basta per evocare un’epoca in cui Leonardo Mondadori pubblicava i fumetti di Forattini, quando gli scrittori si mescolavano ai giornalisti e a qualche cantautore socialista. Ilaria Occhini e Raffaele Di Capria sono ancora belli – insieme. Silenzio è una delle parole chiave di Alberto Aspesi. Letteratura e laboriosità delle zone di Gallarate, l’industria tessile, Rossana Orlandi e i Missoni. Non c’è differenza tra campi, l’energia è una soltanto – sotto i portici di via San Pietro all’Orto, Aspesi ha trasformato un ex edificio bancario in un luogo di ironia borghese. I volumi severi, squadrati sono oggi teatro di un divertissement che pretende contaminazioni materiche: PVC, vetroresina e plexiglass…

Se tagli a metà l’ala di un aereo, troveresti lo stesso profilo di questo coffee table: un tavolino il cui pianale è formato da strati di carbonio e di honeycomb – appunto, il materiale alveolare con cui si costruiscono le componenti alari di un velivolo. Il tavolo è stato esposto durante la Design Week, all’interno del negozio Blauer Usa di Piazza XXV Aprile a Milano, risultato di una collaborazione tra Blauer e Frisoli, azienda di interior design. L’idea era mostrare la nobiltà di un materiale che di solito resta nascosto, ma che risulta fondante per la nostra sicurezza in aria. Blauer Usa è un riferimento all’immaginario che possiamo definire police in richiamo alle uniformi delle forze dell’ordine americane. Nello Stato della Florida il periodo di addestramento per un agente in…

Musica dritta – minimale: significa precisione sul progetto, sobrietà sul messaggio – o ancora, partitura matematica. Secondo Germano Celant, la musica minimalista non tratta di riduzione o semplificazione, ma di geometria – che in musica può ricordare armonia. L’informale e il pop musicale sono messi da parte a favore di un rigore musicale: anche se opulento, si intende minimalista per il rispetto ai fondamenti del battere e levare. Celant parla di architetture plastiche e musicali. L’ipnosi in cui possiamo cadere di fronte a una proliferazione di linee, ripetizione di bianchi e neri di Sol LeWitt somiglia a una sequenza progressiva di Philip Glass: i violini producono refrain in loop che ricordano tamburi: c’è un ritmo ordinato, una scansione dritta, semplice da comprendere anche in una potenza di accordi. Febbre e…

«Quando tutti si dicevano sorpresi della nomina di una donna, continuavo a chiedermi: perché no? A portare avanti questi preconcetti siamo prima di tutto noi donne», ha dichiarato Maria Grazia Chiuri in un’intervista a La Repubblica qualche giorno fa. Ricordiamo la sua collezione di esordio per Dior riferita al libro We should be feminists, di Chimamanda Ngozi Adichie, manifesto del femminismo del Ventunesimo secolo. La scritta We should all be all feminists appariva su t-shirt che oggi vediamo addosso a gente comune. L’anno seguente, Chiuri recuperava il testo Why have there been no great women artists? (Linda Nochlin, 1971), e lo diffondeva nel mondo tramite il potere mediatico di Dior: il testo è un’indagine sulle barriere sociali che hanno impedito alle donne di perseguire l’arte. C’est non, non, non et…

Colorful Japan, dal 7 settembre al 2 febbraio 2020 allo Stedelijk Museum: 226 manifesti giapponesi. Un omaggio al graphic designer Shigeru Watano. L’artista, mancato nel 2012, viveva e lavorava nei Paesi Bassi e collegava il museo di Amsterdam – il primo al mondo a esporre tali opere – ai designer giapponesi. Dall'alto, in senso orario, Kazumasa Nagai, Himeji Shirotopia Exhibition 1989, 1988 e Human Rights – Living Together, 1989; Ryuichi Yamashiro, Forest, 1954; Ikko Tanaka, Japan, 1986…

Le attestazioni vogliono che la scoperta della radica sia avvenuta in Francia, a metà Ottocento, per mano di alcuni artigiani di Saint-Claude, in Borgogna: gli artigiani notarono una sorta di rigonfiamento nella parte iniziale della radice di erica arborea – un arbusto sempreverde tipico delle regioni mediterranee che cresce appena sottoterra. Provarono a lavorarlo per capirne le potenzialità. La radica dell’erica cresce solo sotto terra, costituisce il cosiddetto ciocco da pipe: in piante di circa settant’anni di vita raggiunge i quaranta centimetri di diametro – dimensione minima per essere raccolto. La radica è una massa di tessuto legnoso che si trova in prossimità delle radici, ma può anche formarsi in punti vari del fusto. Come cicatrici, protuberanze, per reazione dei tessuti a ripetute potature, dopo un incendio, un’abnorme formazione di…

Fino al 16 novembre Jacob Hashimoto è a Studio la Città, a Verona, con The Heartbeat of Irreducible Curves: Part II. Oltre alle opere a parete composte da aquiloni colorati, l’artista propone lavori inediti su carta e un’installazione sospesa nello spazio della galleria, con una forma e una combinazione di elementi in resina – anche alla Biennale di Venezia in una dimensione più grande. Dall'alto, in senso orario, i titoli delle opere: All Looped Around in this Finite Forest of Past Future’s History; The Dynamite Factory; The Lightning Maze; Underneath the Garden of All Adoration. Tutte le opere sono state realizzate nel 2019…

For me, manhood began the afternoon Dr. C paid her visit, and being a man requires listening to the voices of women, especially when they are telling me what I may not want to hear. This matters now more than ever, when so many women’s previously hidden hurts have come to light and when my country is being led by a narcissist who boasts about his ability to impose his will on their bodies. Steve Yarbrough Writing, Literature and Publishing Professor at Emerson College, Boston. Massachusetts Book Award for Fiction for The Unmade World in 2019…

Sei in taxi e lo vedi la prima volta su un cartellone vicino all’aeroporto, in uno spot al cinema prima che il film cominci. Lo osservi addosso a un’attrice, su una rivista che non ti interessa, prima dell’imbarco e una settimana dopo in sala d’attesa dall’oculista – fino a qui, niente, lo hai notato certo, ma non ne percepisci l’esistenza - nonostante le lettere che ne formano la parola abbiano un suono nelle orecchie. Lo vedi su un giornale che hai comprato in edicola, perché quel giornale tu lo rispetti e ne hai quasi timore – alzi il ciglio. Cominci a riconoscerlo al braccio di chi ti muove simpatia o invidia, mentre sta parlando a qualcuno con cui vorresti parlare tu – no, non ce l’hanno tutte le ragazzine stupide…

Hedi Slimane ha rielaborato, nel suo esordio per Celine, il suo lavoro per Saint Laurent e per Dior Homme. Hedi Slimane dà forma alla sua idea – che sia questa prodotta per Dior, Saint Laurent o Celine, lasciando poco spazio ai codici identificativi delle singole case. Che si possa trovare qui la differenza tra uno stilista e un direttore creativo? Anja aronowsky Cronberg, direttrice della rivista Vestoj, parla di staged authenticity per definire un’autenticità che tiene conto in prima istanza del contesto e delle dinamiche sociali – ovvero, si può analizzare la differenza tra una creatività che rielabora i codici e i contesti, e una creatività di totale rottura con ogni attualità riconosciuta. Nel 1955 Saint Laurent è assistente di Christian Dior, lavora al vestito indossato da Dovima nella foto…

Da piccolo Antonio Marras sognava di fare il ballerino, me l’ha confessato sul finire dell’intervista: ho capito perché non sta mai fermo. «Ho un ricordo della mia infanzia. Quando tornavo da scuola in TV c’era un programma che si chiamava Maratona d’estate. Vittoria Ottolenghi, critica di danza, giornalista e scrittrice, mostrava stralci di spettacoli e li commentava. Per la prima volta ho scoperto Nureyev, poi ho visto Lindsay Kemp e Café Müller di Pina Bausch e ho compreso che esisteva un’altra dimensione, un’altra stanza». Ho aperto la porta e me lo sono trovato di fronte, seduto a un tavolo di legno fra alberi, piante e nani da giardino. Scribacchiava su un foglio di carta con la traccia dell’intervista: «Eccoti, stavo studiando le tue domande» – mi ha detto stringendomi la…

Mia Moretti incontra Aubrie Costello a Philadelphia, durante una mostra collettiva sulla violenza derivata dall’uso delle armi da fuoco, studia e comprende i messaggi che Aubrie lancia attraverso le sue installazioni: l’artista si riferisce a un atteggiamento progressista politico, ponendo la ricerca estetica come una questione etica. Mia Moretti commissiona ad Aubrie Costello un lavoro, un’opera composta da due pezzi – uno da tenere e l’altro da regalare. Poco dopo, il viceversa: è Aubrie a contattare Mia per dare movimento alle sue installazioni. Aubrie Costello tesse poesie visive: parole scritte nella seta, pezzi di tessuto – Mia Moretti le identifica come bandiere, da esporre in spazi pubblici. Mia mi cita Marina Cvetaeva, poetessa russa del primo Novecento, non canta l’elegia di un amore romantico. Un sentimento che si costruisce nella…

Molto tempo fa Erodoto si mise in testa di raccontare la storia delle guerre greco-persiane andando in giro a fare domande, come un investigatore. Nell’antica Grecia, gli attori lavoravano con le cronache che tutti conoscevano circondati dai gradini di un teatro. Forse nacque così, il reportage: una ramificazione dell’arte della narrazione che si propone di cogliere la Storia con la S maiuscola. Il Festival Internazionale del Documentario Visioni dal Mondo, Immagini dalla Realtà, a Milano dal 12 al 15 settembre in due luoghi, il Teatro Litta e il Museo Nazionale Scienza e Tecnologia Leonardo da Vinci, vuole porre il documentario quale strumento migliore per la speculazione sulla verità come storia – ancora alla ricerca di una consonante maiuscola. I registi in programma sono un incrocio fra detective e cantastorie. Il…

In quello che era un insediamento romanico, in epoca ancor precedente al Medioevo, alcune monache di clausura vivevano su questa collina. Si suppone non si lavassero. Non c’era acqua. Scavando a 170 metri di profondità le vene erano troppo deboli per poter alimentare un pozzo. Oggi come allora, l’erba della Maremma non deve essere innaffiata – è una graminacea che non muore. Resta verde con le piogge di primavera, poi diventa gialla durante i calori estivi, segnando l’oro sui pendii toscani contro il Tirreno, per poi tornare con le prime pozzanghere di settembre, quando i temporali rompono la vita con la loro nostalgia. La cisterna raccoglie la pioggia; un corridoio sospeso la attraversa ed è un vano di passaggio sulla via dell’ingresso al castello – a ottobre, la cisterna può…

Un viaggio non una questione di spostamenti o movimenti, ma di raccordi e accordi, memoria e carattere. La storia del mondo si riassume su una strada che da Settentrione volge a Sud inseguendo il sole in Italia. Il cioccolato un’indagine di questa nostra identit ancestrale. In retorica, la composizione di un ma tre chocolatier ricorda la coreografia di una danza intellettuale. Una conversazione con Cecilia Tessieri. Un movimento continuo - da un lato il corpo con i suoi passi e i suoi gesti, roteare, andare e ritornare, dall’altro la cioccolata che diventa solida o torna liquida, continuamente mescolata e amalgamata. “Ho danzato per tanti anni, stata ed la mia passione. Ancora oggi, quando vedo una ballerina esibirsi, sto bene e male allo stesso tempo. Sacrificio, dolore, punte, sangue. La trasformazione…