Innholdsfortegnelse for No. 24 i L'Officiel Art

Juliana Huxtable est un choix qui peut surprendre. Issue d’une scène club a priori retorse à toute institutionnalisation, la poétesse, artiste et DJ sera pourtant omniprésente au cours de l’année 2017, du Moca de Détroit (“Sonic Rebellion, music as resistance”) nouvellement dirigé par Jens Hoffmann à la collection online du Guggenheim. Rien pourtant de si surprenant, quand on observe la part croissante prise ces dernières années par la performance et la thématique de la réinvention de soi. Dessiner les contours d’un personnage multifacette, s’émanciper de tout déterminisme via les terres fertiles de la fiction, tirer ses ressources incantatoires dans l’imaginaire font figure d’actes politiques. Déjà, Bruno Latour avait analysé finement comment un manifeste comme le Cyborg Manifesto de Donna Haraway (1984) anticipait et produisait un répertoire d’actions prodigues pour le…

La traditionnelle case à palabres des villages dogons prend ici des allures de tribune : le Toguna du Palais de Tokyo a pour vocation de croiser les expertises et les sensibilités de quatorze artisans d’art et artistes. Durant une année, ces créateurs ont travaillé en binôme à l’élaboration de cette nouvelle entité appelée à capter les publics, via une riche programmation de rencontres et conférences, dont l’Atelier des Regardeurs, cycle initié en février 2017 avec pour objectif d’examiner l’histoire de l’art, de la préhistoire à nos jours. Un projet dont on doit la concrétisation au solide soutien financier et à l’apport d’idées de la fondation Bettencourt Schueller, qui marque ici la troisième étape de son partenariat avec le Palais de Tokyo, après les expositions “L’usage des Formes” (2015) et “Double Je”…

D’une hauteur de 50 cm, “Mr.Moncler” est une figure caractéristique de la marque. Un personnage tout indiqué pour inspirer Craig Costello, alias KR. Né à New York en 1971, l’artiste a assisté à la naissance du graffiti dans la mégapole, immense champ du voir et faire pour irriguer un imaginaire survolté. On se souvient qu’à l’occasion du Lasco Project (2015-2016), Costello avait déployé sous les arches du Palais de Tokyo (sous le commissariat d’Hugo Vitrani) des peintures monumentales réalisées à l’aide d’extincteurs déroutés de leur fonction initiale. En un geste jouant entre culture pop contemporaine et humour, Moncler a essaimé ses “ambassadeurs” dans plusieurs endroits clés de Hong Kong, pour une rencontre joyeuse et inédite avec les passants. Moncler - Canton Road, Shop G107 & G206, Harbour City, Canton Road,…

Depuis son arrivée chez Artcurial, Fabien Naudan a développé d’une manière exemplaire le département Design, avec des ventes qui ont marqué les esprits (Charlotte forever, Heavy Metal...) mais aussi des ventes curatées, centrées sur les intérieurs du XX e  siècle. Aujourd’hui vice-président de la maison de ventes, Fabien Naudan évoque pour L’Officiel Art l’ADN d’Artcurial. “Il y a une identité forte chez Artcurial, provenant d’un dénominateur commun qui s’appelle la passion. Je suis arrivé dans la maison avec le regard d’un conservateur, d’un collectionneur qui fréquentait les maisons de vente du côté des salles et non de la coulisse. J’avais une approche un peu plus orientée vers le luxe, la création dans la mode, car il s’agissait de mon métier d’origine, mais je me suis projeté très rapidement dans…

Amatrice d’art, ancienne journaliste et éditrice, auteur d’ouvrages remarqués ( Collectionneurs, les VIP de l’art contemporain, éditions Anabet, 2008 ; Conversations, Artistes et collectionneurs, Les Presses du réel, 2013), Nathalie Guiot inaugure à Bruxelles en janvier 2018 ThalieLab, dont l’ambition est de “quitter le ghetto de l’art contemporain et faire émerger de nouveaux modes de pensée et d’action en croisant les champs artistiques et sociétaux”. Rencontre. “Mon projet s’apparente à une plateforme de production innovante, un espace où il est possible de commissionner des œuvres sous forme d’installations, films, performances en fonction des thématiques déployées dans notre programmation et nos projets artistiques en résidence. Le public est en quête de partage d’expériences, de connexion au réel… il veut renouer avec des sensations, des émotions, vivre une performance comme une expérience vivante…

L’OFFICIEL ART : Vous représentiez l’Estonie cette année à la Biennale de Venise. Le titre de l’exposition, “If Only You Could See What I’ve Seen with Your Eyes” est une citation magnifique et bien connue tirée d’un film culte, Blade Runner. Que pouvez-vous me dire de l’exposition et du processus qui la sous-tend ? KATJA NOVITSKOVA : Je réalise d’ordinaire des installations sculpturales à partir d’images numériques que je découvre sur internet. Je m’approprie cette matière première et je la modifie jusqu’à en faire quelque chose de neuf, qui raconte une tout autre histoire. Je m’intéresse à l’origine de ces images : pourquoi ont-elles été produites ? Par qui ? Comment ? Sous quelle forme matérielle ? D’un projet à l’autre, l’atmosphère se modifie un peu. Je réagis à l’environnement…

Dans deux œuvres récentes de Cécile B. Evans, Agnes (2014) et Amos’World (2017), deux robots humanoïdes nommés Agnes et Amos sont les protagonistes de fictions élaborées à partir d’une mosaïque de fragments. Ils donnent à voir, comme en miroir, la nature instable de la mémoire (qu’elle soit humaine ou artificielle) et de notre conception complexe de la représentation de soi dans l’espace public. Ces deux œuvres, malgré une notable différence d’atmosphère, témoignent de la recherche d’une artiste qui entend redéfinir la représentation de l’individu dans le monde, les effets induits par la polarité entre sociétés individuelles et sociétés collectives, et le thème de l’intelligence artificielle (et plus généralement du rapport de l’homme à la technologie) comme autant d’instruments de connaissance, qu’il convient de développer dans l’espoir de saisir des aspects…

Tout au long des dix années de sa présence à la foire internationale Design Miami, Fendi a exposé les réalisations d’un vaste panorama de designers aux réalisations iconiques : Nacho Carbonell, Moritz Waldemeyer, Aranda Lasch, Elisa Strozyk et Sebastian Neeb, Studio Formafantasma, Dimore Studio, Maria Pergay... Cette édition 2017 a été confiée à Chiara Andreatti. Formée à l’IED de Milan et à la Domus Academy, la créatrice mêle avec justesse et élégance les identités issues du design industriel et du patrimoine artisanal vénitien. Pour Fendi, elle a travaillé sur l’idée d’un salon composé de dix-sept pièces de mobilier en édition limitée, dont six céramiques et deux tapis en laine naturelle. Velours, bambou, laiton, fer, cuir, parchemin, chanvre figurent parmi les matériaux utilisés par la designer. En outre, elle rend hommage à…

A défaut de pouvoir acquérir des œuvres originales, il est possible de s’entourer d’objets usuels et de décoration conçus pour refléter les réalisations d’un florilège d’artistes : c’est ce que propose Ligne Blanche, boutique posée depuis novembre au cœur de Paris. La liste est belle. Le lieu aussi. Alex Katz, Tom Sachs, Jack Pierson, Robert Longo, Gilbert & George, Georg Baselitz, Erwin Wurm, les fondations Andy Warhol, Robert Mapplethorpe, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat et René Magritte : une évocation, non pas à la Prévert, mais made in Ligne Blanche. Une élégante boutique posée dans l’un des plus beaux passage de la capitale, la galerie Véro-Dodat. Son projet ? Nouer des liens avec des artistes ou les fondations qui les représentent pour imaginer une série d’objets pour la maison : vaisselle en porcelaine de…

L’OFFICIEL ART : Vous avez grandi aux quatre coins du monde avec votre père, professeur et chercheur en linguistique, tout en parlant cinq dialectes d’anglais. Les mots et les symboles occupent une place centrale dans votre art. Comment avez-vous défini votre langage artistique ? ASHLEY BICKERTON : Les premières années de ma vie ont énormément influencé mon développement personnel et professionnel. Grandir en parlant cinq dialectes d’anglais m’a donné un sens aigu de la relative malléabilité de nos sens. Comme j’ai grandi entre différents continents et différentes cultures, j’ai toujours été un outsider. Bien que je suis maintenant considéré comme un artiste américain, cette expérience formatrice a “coloré” ma vision du monde. Mes parents insistaient d’ailleurs pour que nous fréquentions des écoles locales, et non celles qui répondaient aux critères…

Approchez-vous de quelqu’un et suggérez-lui d’accomplir tel ou tel geste au creux de l’oreille : ferme les yeux, tire la langue, recule tes fesses. Cela fait, l’exécutant traversera la pièce à son tour pour aller souffler un geste à quelqu’un d’autre, et ainsi de suite. Au soir du 5 juin 1980, à Los Angeles, l’artiste Senga Nengudi a envoyé à la galerie Above Midtown un télégramme Western Union avec ces instructions, à l’occasion du vernissage d’Outlaw Aesthetics, l’exposition inaugurale de la galerie dans son nouvel espace. Ce happening expérimental (qui rappelle des événements similaires orchestrés par Claes Oldenburg, Allan Kaprow, Marta Minujín ou Yayoi Kusama dans les années 1960 et 1970) tient de l’action collaborative improvisée, empreinte d’une forte indétermination, et produit une performance où alternent des phrases gestuelles qui se…

L’OFFICIEL ART : Avec cette exposition “Kira vs. Carrie” à la galerie Air de Paris, vous montrez un nouveau film, Body Double 32, inspiré du film Carrie de Brian de Palma, dont vous avez refait une séquence. Pourriez-vous nous décrire la séquence en question ? BRICE DELLSPERGER : Il s’agit de la séquence d’ouverture du film, sur laquelle il y a le générique de début, qui se passe dans les vestiaires. On y découvre le personnage de Carrie, lycéenne dans les années 1970, cachée au fond d’une allée, alors que toutes les autres filles de sa classe sont joyeuses, bruyantes et s’amusent. On voit tout de suite que Carrie est un personnage isolé, dans son monde, et lorsque l’on se rapproche d’elle dans la douche, la séquence devient presque érotique.…

“Qui décide, qui détermine quels sont les artistes que le futur va retenir ? Qui juge ?” Cette cinglante question est posée d’entrée de jeu par cette femme au regard pétillant et vif, au sourire généreux, et à la voix rocailleuse. Emilia et Ilya Kabakov ont décidé d’intituler leur exposition à la Tate Modern “Not Everyone Will Be Taken Into The Future”. Référence à un article publié par Ilya Kabakov en 1983, en réponse à un texte sur l’abstraction russe, paru dans le magazine subversif A-YA. Ilya Kabakov a imaginé que Malevitch avait organisé un camp de vacances pour sélectionner les artistes qui seraient retenus dans le futur. L’installation de 2001, portant le même titre, est montrée pour la première fois en Angleterre. Un train surgit, sur le point d’écraser…

Un long chemin. Spatial et intérieur. C’est celui que Sidival Fila a suivi depuis le Brésil où il est né en 1962. A l’issue d’un cycle d’études dans une école d’art, il se rend en Europe au mitan des années 1980 pour y consolider sa formation. La rencontre avec Rome signera sa transfiguration intime. Il y découvre la foi et entre dans l’ordre des Franciscains. Durant près de vingt ans il délaisse toute pratique artistique, consacrant son énergie au monastère romain auquel il est rattaché, et au soutien à destination des plus démunis. Depuis quelques années, celui qui est aujourd’hui à la tête du monastère, a de nouveau posé son regard sur la toile. Collectant des tissus d’origines très diverses (vêtements liturgiques anciens, étoffes actuelles, tissus du XVIIIe siècle), qu’il…

“Nous allons tenter de montrer qu’une maison de luxe ne fonctionne pas uniquement sur des motivations commerciales. Nous sommes la plus ancienne maison de couture au monde, c’est un patrimoine historique et une richesse inestimables qui constituent notre fondement mais notre regard se porte également sur le futur.” Ainsi s’est exprimé Nicolas Druz, directeur général de Lanvin. Et ce futur navigue en territoire artistique... En effet, en novembre dernier, la légendaire maison de couture présentait devant un aréopage de personnalités rassemblées au siège parisien de la griffe une sculpture que les historiens d’art s’accordent à considérer comme jalon liminaire de l’art moderne : Le Baiser (1905) de Constantin Brancusi (1876-1957). Inspirée par une sculpture mochica du Pérou, cette pièce, “découverte” par le chercheur Thierry Rayer, a donné lieu à une…

L’OFFICIEL ART : “Women House”, qui s’attache à la représentation de la maison, de l’espace domestique et plus largement de l’architecture par les artistes femmes, s’inscrit dans la lignée de l’exposition “Elles@ centrepompidou” (2009-2011). Comment s’est articulée la présentation à la Monnaie de Paris au regard de ce précédent projet ? CAMILLE MORINEAU : “Elles@centrepompidou” reposait sur une proposition d’œuvres d’artistes femmes présentes dans les collections du musée : son ambition était ainsi de développer une sorte de parcours dans l’histoire du XXe siècle. Travailler sur cette exposition, organisée par chapitres, a constitué pour moi une révélation à la fois professionnelle et personnelle des productions des femmes dans l’histoire de l’art. J’ai découvert un certain nombre d’artistes, des tendances, des mouvements, des caractéristiques que je ne savais pas forcément nommer.…